
Театрализация кинематографа. Пути обновления киноязыка (на материале отечественных фильмов второй половины 1960-х–1980-х гг.)
Описание
Эта работа исследует, как театрализация повлияла на формирование киноязыка в советском кинематографе второй половины 1960-х-1980-х годов. На примере фильмов режиссеров А. Сокурова, С. Параджанова, С. Овчарова, Н. Михалкова и С. Соловьева автор раскрывает сложные взаимоотношения театра и кино, изучая, как театральные приемы использовались для обновления киноязыка. Книга анализирует эволюцию киноязыка, исследуя как театральность использовалась и как она воспринималась в разные периоды. Работа рассматривает как советские режиссеры и актеры использовали театральные техники, и как это отличало советское кино от зарубежного.
В последние десятилетия термин «театрализация» активно входит в обиход искусствоведения. Это понятие становится в ряд фундаментальных эстетических категорий, без которых невозможно глубокое понимание процессов, происходящих в современном искусстве.
Большое значение исследование принципов театрализации имеет в киноведении, так как кинематограф и театр базируются на общих принципах игровой условности, уходящих корнями к обрядовому ритуалу. Наряду с формами «осознанной» ритуализации (встречающейся в сакральных действах), признаки ритуала обнаруживаются в любом театральном представлении: гонг или занавес, обозначающий начало; рампа; приветствие, адресованное публике и т. д. Ритуал – это основа любого вида искусства, поскольку содержит и слово, и танец, и рисунок. Это все – средства суггестивного воздействия на человека, мистерия, которую в своей основе пытается воссоздать то или иное произведение. Игровая природа человека[1] – модель понимания искусства, развившаяся из древнего ритуального действия, вольно или невольно проявилась в театрализации кинематографа.
У театра и кино общие истоки зрелищной культуры, общие типы взаимоотношения зрителя и зрелища: вовлеченность и «очуждение»[2]. Первое стало основой т. и. школы переживания, а второе – школой представления. Наиболее ярко эти направления проявились в системе К. Станиславского и в методологии Б. Брехта. Если у К. Станиславского зритель, наблюдая за актером, задается вопросом «как я бы повел себя в этих условиях?», то брехтовский актер спрашивает зрителя, «как он повел бы себя в этих условиях?» Эти два типа актерской техники в равной мере встречаются и на сцене, и на экране. Таким образом, можно утверждать, что, несмотря на различные способы достижения выразительного эффекта, единым механизмом преобразования реальности в кинематографе и театре является театрализация.
Первоначально многими режиссерами и критиками новое искусство воспринималось как «снятый на пленку театр». Это объясняется тем, что кинематограф активно использовал театральные репертуар и технику актерской игры. С другой стороны, «заставив актера, т. е. одухотворенную личность, потонуть во всем окружающем, отводя ему при постановке пьесы место ничуть не больше, чем всякой другой принадлежности обстановки, Художественный театр быстрым броском приближается к синематографу: и там нет актера, а есть только декорации, и там живой и мертвый инвентарь имеют одинаковую ценность»[3]. С выявлением собственного языка кино понятие «театральности» постепенно приобретает негативный оттенок и противопоставляется «правде». В немалой степени это было связано с обвинениями в театральности… Московского художественного театра. Е. Вахтангов в разговоре о К. Станиславском со своими учениками объяснял: «Все, что напоминало о старых театрах хотя бы немножко, он клеймил словом «театрально», и слово «театрально» стало в Художественном театре ругательным. Правда, все, что он ругал, на самом деле, было пошло, но, увлекаясь изгнанием пошлости, Станиславский убрал вместе с нею и настоящую, нужную театральность, а настоящая театральность и состоит в том, чтобы подносить театральное произведение театрально»[4]. Из театральной критики ругательное слово «театрально» перекочевало и в кинематограф. Как в театре система Станиславского была признана единственно верным методом советского реалистического театра[5], так и в кино любые отклонения от реалистического клеймились словами «формализм» и «театральщина». Однако на протяжении всей истории существования кинематограф не раз (не только на раннем этапе) обращался к театральным выразительным средствам (например, в 1930-е годы, во второй половине 1960-х годов, в 1970-е годы).
Отношения кинематографа и театра давние, и анализироваться исследователями они начали с периода теоретического осмысления кинематографа как вида искусства. Это был непростой этап, когда кинематограф обретал свою специфику. Первоначально он активно пользовался театральными наработками и театральной системой выразительности (актерской игрой, театральными мизансценами и декорациями), но постепенно отходил от нее.
Похожие книги

100 лучших мультфильмов? (СИ)
В 2006 году 30 специалистов по мультипликации составили список из 100 лучших анимационных фильмов, снятых с 1908 по 2003 гг. Книга "100 лучших мультфильмов?" (СИ) исследует эти фильмы и их режиссеров, предлагая хронологический обзор развития мировой анимации. Переиздание 2016 года содержит дополнения и уточнения.

100 великих актеров
Эта книга посвящена жизни и карьере 100 величайших актеров мира, от древности до современности. В ней собраны подробные жизнеописания мастеров сцены и кино, включая Федора Волкова, Михаила Щепкина, Чарли Чаплина, Андрея Миронова и многих других. Книга исследует их вклад в искусство и влияние на зрителей. Автор Игорь Анатольевич Мусский глубоко погружается в историю, анализируя карьеры и достижения этих гениев. Книга предназначена для ценителей кино и театра, а также для всех, кто интересуется историей искусства.

О медленности
Книга "О медленности" Лутца Кёпника посвящена анализу феномена замедления в современном обществе. Автор рассматривает различные художественные практики, такие как кино, фотография и медиа, которые стремятся изменить наше восприятие времени. Книга исследует, как визуальные искусства могут помочь нам замедлить темп жизни и проникнуть в суть настоящего. Используя примеры работ Питера Уира, Вернера Херцога, Вилли Доэрти и других, Кёпник показывает, что за стремлением к замедлению стоит не ностальгия по прошлому, а желание понять природу времени и настоящего момента. Книга адресована всем, кто интересуется искусством, философией, кинематографом и вопросами восприятия времени.

Зиновий Гердт
Зиновий Гердт, «гений эпизода», запомнился зрителям не только своими яркими ролями в театре и кино, но и незаурядной личностью. В книге Матвея Гейзера, первой биографии Гердта в серии «Жизнь замечательных людей», собраны воспоминания его друзей – известных деятелей культуры. Книга раскрывает не только творческий путь актера, но и его взгляды на жизнь, искусство и человеческие ценности. Гердт, чья мудрость, жизнелюбие и искрометный юмор ценились многими, оставил глубокий след в сердцах зрителей. Его уникальная манера игры и жизненная позиция вдохновляют и по сей день.
